El 2020 quedará en la historia como el año en el que marcas y artistas se aliaron, tomando por asalto los archivos, yendo de los ateliers a las galerías, enviando un mensaje de inclusión y preparando el terreno para las nuevas generaciones. ¿La moda es un arte? Y si esa fuera una pregunta anacrónica…


Sentado entre lienzos en su atelier de Ghana, el artista <a href="https://amoako-boafo.com">Amoako Boafo</a> habla sobre su relaci&oacute;n con el dibujo y sobre su t&eacute;cnica de pintura con los dedos. Deambula entre retratos de muchachos vestidos de gris perla o rosa, que inspiran la &uacute;ltima colecci&oacute;n de <a href="https://www.dior.com/es_sam/moda-hombre/hombre">Dior Homme</a> by<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Kim_Jones_(designer)">&nbsp;Kim Jones</a>.&nbsp;

Editada como un documental de arte, la secuencia titulada Retrato de artista es la primera parte de una pel&iacute;cula que se present&oacute; en el marco de la Semana de la Moda digital en Par&iacute;s. Con c&aacute;maras lentas, planos largos sobre las manos de Amoako Boafo intercalados con rompientes de olas, lleva la firma de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Chris_Cunningham">Chris Cunningham</a> e invita a la contemplaci&oacute;n. Si bien originalmente no estaba previsto &ndash;la covid-19 impidi&oacute; los desfiles&ndash;, el video &ldquo;permite hablar del artista, de su vida, de sus temas&rdquo;, destaca el comunicado de la marca.

&ldquo;Hay algo que no se puede hacer en un desfile: apretar pausa y explicar de d&oacute;nde vienen las cosas&rdquo;, se&ntilde;ala <a href="https://www.instagram.com/kris_van_assche/?hl=es">Kris Van Assche</a>, que present&oacute; las piezas de su colecci&oacute;n para <a href="https://www.berluti.com/en-int/homepage/">Berluti</a> con una puesta en escena que recrea una conversaci&oacute;n v&iacute;a Skype con el escultor y ceramista <a href="https://brianrochefort.net">Brian Rochefort</a>, cuyas obras fueron fotografiadas y estampadas sobre camisas de seda.

&ldquo;La moda debe mutar, pero la respuesta a la pandemia fue literal. Al volcarse hacia la vestimenta c&oacute;moda para usar en casa o a la ropa sin estilo, la gente impulsa la relaci&oacute;n arte-moda hacia la evoluci&oacute;n. Ya no pensando en la estilizaci&oacute;n de la vestimenta sino en el nivel de la narraci&oacute;n y de la puesta en escena utilizada por las marcas. De hecho, las colaboraciones entre moda y arte no se limitan a una b&uacute;squeda de mayor visibilidad; son m&uacute;ltiples contenidos que adoptan permanentemente formas diferentes&rdquo;, se&ntilde;ala <a href="https://www.sydney.edu.au/arts/about/our-people/academic-staff/adam-geczy.html">Adam Geczy</a>, artista visual, docente en la <a href="https://www.sydney.edu.au">Universidad de Arte de Sydney</a> y autor de la obra Fashion and Art.&nbsp;

En 2019 se present&oacute; en Cannes un film del realizador argentino <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Gaspar_Noé">Gaspar No&eacute;</a> para <a href="https://www.ysl.com/es-es">Saint Laurent</a>. Con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Charlotte_Gainsbourg">Charlotte Gainsbourg</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Béatrice_Dalle">B&eacute;atrice Dalle</a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film708765.html">Lux Aeterna</a> narra el rodaje ca&oacute;tico de una pel&iacute;cula sobre una bruja arrojada a la hoguera, en una puesta en abismo muy simb&oacute;lica sobre la luz y las tinieblas. A principios de este a&ntilde;o, <a href="https://www.bottegaveneta.com/it">Bottega Veneta</a> lanz&oacute; un formato multiplataforma de residencia art&iacute;stica que bautiz&oacute; &ldquo;<a href="https://elpais.com/elpais/2020/03/31/icon/1585673805_807440.html">Bottega Residency</a>&rdquo;, dedicado a celebrar la obra de distintos artistas, escritores, m&uacute;sicos. La maison <a href="https://www.dior.com/es_sam">Dior</a>, por su parte, opt&oacute; por el podcast difundiendo &ldquo;<a href="https://podcasts.dior.com">Dior Talks</a>&rdquo;, una serie acerca de arte y feminismo en la que se puede escuchar a artistas comprometidas como <a href="https://www.judychicago.com">Judy Chicago</a> o <a href="https://www.mickalenethomas.com">Mickalene Thomas</a>.

Son innumerables las exposiciones y libros que le permiten a la moda lucir los atributos del arte. Al punto de olvidar su funci&oacute;n esencial: hacer ropa. &iquest;De qu&eacute; nos habla ese culto a la belleza que subyace en las diferentes colaboraciones?

&ldquo;Desde fines de la d&eacute;cada de 1980, arte y moda experimentan una mutua fascinaci&oacute;n. En los 90, la moda ingresa a los museos, que se transforman en vidrieras comerciales igual que los desfiles. Las pr&aacute;cticas de los dise&ntilde;adores se acercan a las art&iacute;sticas y aparece la moda conceptual, a medida que la tecnolog&iacute;a y la innovaci&oacute;n se convierten en preocupaciones filos&oacute;ficas claves que se imponen por encima del aspecto pr&aacute;ctico, la funcionalidad y la portabilidad de las prendas&rdquo;, explica Adam Geczy.

<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Margiela">Martin Margiela</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Rei_Kawakubo">Rei Kawakubo</a> para <a href="https://www.comme-des-garcons.com">Comme des Gar&ccedil;ons</a> o <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Hussein_Chalayan">Hussein Chalayan</a> forman parte de esta ola de dise&ntilde;adores que desaf&iacute;an los l&iacute;mites y critican las convenciones de la moda. En 1996, la colecci&oacute;n<a href="https://www.anothermag.com/fashion-beauty/8174/lumps-and-bumps-at-comme-des-garcons-s-s97"> Lumps and Bumps</a> de Kawakubo cre&oacute; la ilusi&oacute;n de un cuerpo femenino deformado, que nada tiene que ver con la imaginer&iacute;a convencional de una prenda para ser llevada. Para Adam Geczy tambi&eacute;n hay que se&ntilde;alar la multiplicidad de ciertas trayectorias de dise&ntilde;adores, como <a href="https://www.hedislimane.com/diary/">Hedi Slimane</a>, que en 2007, despu&eacute;s de siete a&ntilde;os en Dior Homme, decidi&oacute; retirarse de la moda para dedicarse a su pasi&oacute;n por la fotograf&iacute;a.&nbsp;

&ldquo;Conjugando escena musical, moda urbana y desfiles, Slimane cambia la percepci&oacute;n del el trabajo de estilista, y las antolog&iacute;as que re&uacute;nen sus fotos publicadas en ediciones art&iacute;sticas se coleccionan tanto como sus piezas vestimentarias&rdquo;, agrega Geczy. Hoy, su posici&oacute;n de director art&iacute;stico al frente de la maison <a href="https://www.celine.com/en-int/404">Celine</a> le permite proponer playlists musicales o cinematogr&aacute;ficas (en la plataforma <a href="https://mubi.com/es">Mubi</a>) e invitar a j&oacute;venes artistas a imaginar las piezas de sus colecciones. En julio pasado, hubo siete artistas invitados por la colecci&oacute;n The Dancing Kid. Entre ellos, el estadounidense <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/David_Kramer_(singer)">David Kramer</a>, cuyas frases estampadas sobre bombers expresan con iron&iacute;a los repliegues del sue&ntilde;o americano.

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Valentino, otoño-invierno 2020-21. “Of Grace and Light”, performance en vivo con puesta en escena de Nick Knight.

El regreso de la vestimenta como fuente de emoci&oacute;n. &ldquo;El riesgo es que, a fuerza de intelectualizar, se llegue a algo artificial, se produzca un alejamiento irreductible entre declaraciones de intenci&oacute;n &ndash;de tenor cuasi doctoral&ndash;, y la vestimenta parezca vac&iacute;a. Sin embargo, la moda puede revertir este movimiento iniciado por el arte contempor&aacute;neo, que disocia ideas y creaci&oacute;n, asumiendo plenamente su estatus de arte&nbsp; &ndash;en el sentido antiguo del t&eacute;rmino, es decir una t&eacute;cnica que se experimenta a partir de la materia, de un gesto, de la elecci&oacute;n de g&eacute;neros y de la relaci&oacute;n con el cuerpo&ndash;. El video editado para la colecci&oacute;n Alta Costura de Valentino es un ejemplo. All&iacute;, la moda afirma su poder creativo&rdquo;, explica la fil&oacute;sofa Marie Schiele, especialista en temas de moda. As&iacute;, la vestimenta en Valentino vuelve a ser la esencia de una experiencia est&eacute;tica fantasmag&oacute;rica.&nbsp;

Imaginado por el artista fot&oacute;grafo y videasta Nick Knight, el desfile Alta Costura de <a href="https://www.instagram.com/pppiccioli/?hl=es">Pierpaolo Piccioli</a> tom&oacute; la forma de una performance que cruzaba lo humano con lo digital, en la que veinte piezas de costura inmaculadas y sobredimensionadas parec&iacute;an cobrar vida. &ldquo;Hace demasiado tiempo que la costura ya no transmite emociones. Yo no quer&iacute;a fiorituras ni envoltorios, no quer&iacute;a storytelling. Simplemente quer&iacute;a mostrar las prendas y el trabajo humano que hay detr&aacute;s&rdquo;, declar&oacute; Pierpaolo Piccioli en Instagram.&nbsp;

Incluso en Dior, las pinturas de Amoako Boafo incorporan materia textil en la segunda parte del video, en la que las sombras de los maniqu&iacute;es se entrelazan sobre fondos que recuerdan los motivos que se vieron en la primera parte. &ldquo;Se trata de representar la solidaridad&nbsp; &mdash;explicaba Boafo&mdash;. En tiempos de crisis, los conceptos cambian y tambi&eacute;n debe evolucionar nuestro rol como artistas&rdquo;.&nbsp;

Ser el espejo de un mundo que cambia. Para Dior, la idea es tambi&eacute;n exponer la riqueza art&iacute;stica de Ghana, presentando a&nbsp; Boafo como un valor en ascenso dentro del arte contempor&aacute;neo, &ldquo;que explora la percepci&oacute;n de la identidad negra y de la masculinidad&rdquo;, seg&uacute;n describe la marca. En &eacute;pocas en las que las manifestaciones contra el racismo, invaden tanto las calles como las redes sociales, la moda ya no se conforma con compartir un cuadrado negro (como el publicado a principios de junio en Instagram en el marco del movimiento <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Black_Lives_Matter">Black Lives Matter</a>, como reacci&oacute;n al asesinato de George Floyd) y se compromete usando las colaboraciones art&iacute;sticas como manifiestos pol&iacute;ticos.

En su sello <a href="https://www.jwanderson.com/ar/">JW Anderson</a>, <a href="https://www.instagram.com/jonathan.anderson/?hl=es">Jonathan Anderson</a> rinde homenaje al artista queer <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Tom_de_Finlandia">Tom Of Finland</a>, conocido por sus obras subversivas de resuelto car&aacute;cter er&oacute;tico, que desbaratan los valores heteronormativos. Por su parte, la marca <a href="https://www.supremenewyork.com">Supreme</a> pone de relieve al performer emblem&aacute;tico de las noches londinenses de la era <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Margaret_Thatcher">Tatcher</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Leigh_Bowery">Leigh Bowery</a>, v&iacute;ctima de sida en 1994. Su trabajo, que cuestiona con poes&iacute;a los tab&uacute;es sexuales, sigue siendo una referencia para las comunidades LGBTQI+ actuales. Entre los recuerdos de su club Taboo y sus poses para el pintor <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud">Lucien Freud</a>, hizo de la marginalidad una elecci&oacute;n pol&iacute;tica.

Iconoclasta inclasificable, <a href="https://www.instagram.com/marvin.mtoumo/?hl=es">Marvin M&rsquo;Toumo</a>, finalista del <a href="https://villanoailles-hyeres.com/en/festivals/35e-festival-international-de-mode-de-photographie-et-daccessoires-de-mode">Festival d&rsquo;Hy&egrave;res</a> 2020, trabaja al borde de varias disciplinas: &ldquo;Desarrollo una pr&aacute;ctica po&eacute;tica que se apoya sobre diferentes medios art&iacute;sticos. Eso me permite preservar mi libertad. Tambi&eacute;n es una posici&oacute;n pol&iacute;tica que evita que uno se defina de manera inamovible, un reflejo de los discursos de mi generaci&oacute;n que cuestionan la identidad, de g&eacute;nero o &eacute;tnica&rdquo;.

Hacer brotar del caos la belleza. Igual que &eacute;l, <a href="https://www.instagram.com/babbym/?hl=es-la">Matty Bovan</a>, joven dise&ntilde;ador y artista ingl&eacute;s, une ambas identidades en colecciones surrealistas que chorrean colores. Con apenas treinta a&ntilde;os, las mejillas hundidas y un arco&iacute;ris en el pelo, lanz&oacute; en plena pandemia la marca Bovan, cuyo look-book en Instagram recrea un cuadro viviente. Francia no se queda atr&aacute;s: con solo veintitr&eacute;s a&ntilde;os, <a href="https://www.instagram.com/charlesdevilmorin/?hl=es">Charles de Vilmorin</a> produjo a fines de abril su primera colecci&oacute;n. Dise&ntilde;a y pinta, se inscribe en esta nueva ola imaginando la moda como veh&iacute;culo de futuros ut&oacute;picos. <a href="https://www.instagram.com/pascalmoehlmann/?hl=es">Pascal M&ouml;hlmann</a> es el autor del &oacute;leo For Ever, que retrata a una chica bailando con un esqueleto (una especie de vanitas moderna) e ilustr&oacute; el desfile <a href="https://www.off---white.com/en-ar/">OFF/White</a> <a href="https://hypebeast.com/2020/6/off-white-fall-winter-2020-tornado-warning-collection-lookbook-now-available-virgil-abloh">Tornado Warning de Virgil Abloh</a>. El artista suizo inici&oacute; el movimiento Neue Sch&ouml;nheit (Nueva belleza). &ldquo;Virgil y yo estamos convencidos de la importancia de la belleza y de que su creaci&oacute;n y difusi&oacute;n son literalmente nuestro trabajo. Tal vez es la experiencia de la belleza lo que ayudar&aacute; a la humanidad a no perder la fe, a encontrar la dicha e incluso el camino&rdquo;, dice.

En 2020, moda y arte forman m&aacute;s que una simple f&oacute;rmula de marketing. &ldquo;Es tiempo de di&aacute;logo creativo, en el que cada disciplina nutra a otra conservando sus propias tradiciones. No se trata de forzarse a hacer colaboraciones para estar &lsquo;a la moda&rsquo;. Por lo dem&aacute;s, cuanto m&aacute;s persigue un artista ese t&iacute;tulo ef&iacute;mero, m&aacute;s riesgo corre de ser reemplazado en la siguiente batahola medi&aacute;tica. En lugar de intentar ser &lsquo;originales&rsquo;, traten simplemente de compartir la belleza. Dejen la originalidad a la publicidad&rdquo;, concluye M&ouml;hlmann.

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“Es tiempo de diálogo creativo, en el que cada disciplina nutra a otra conservando sus propias tradiciones. No se trata de forzarse a hacer colaboraciones para estar ‘a la moda’. Por lo demás, cuanto más persigue un artista ese título efímero, más riesgo corre de ser reemplazado en la siguiente batahola mediática”. Pascal Möhlmann


La belleza o el caos

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